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Sadie J. Valeri: des natures mortes contemporaines dans l'huile

Sadie J. Valeri: des natures mortes contemporaines dans l'huile


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Sadie J. Valeri crée des natures mortes de peinture à l'huile à partir d'une palette limitée, à commencer par une sous-couche grisaille. Elle enseigne ce processus dans des ateliers et des cours à Sadie Valeri Atelier à San Francisco. Cet article de Michael Lacoy a été publié pour la première fois dans le numéro d'octobre 2011 de Magazine.

Créer une nature morte originale est une tâche intimidante. Le genre est un favori des artistes depuis des siècles et, par conséquent, les musées et les galeries regorgent de peintures de fleurs, de fruits et d'autres objets désormais trop familiers. La réponse de Sadie Valeri à cela est de combiner des sujets traditionnels - pichets, coquillages, bouteilles - avec un matériau contemporain qui n'est normalement pas associé aux beaux-arts: le papier ciré. «J'ai été attirée par le matériau parce que je pouvais tordre et écraser le papier transparent pour créer des environnements dynamiques pour les bouteilles et pichets antiques que je collectionne», dit-elle. Valeri a produit une série d'œuvres sur papier ciré, pour lesquelles elle a reçu des éloges critiques impressionnantes. Sa peinture Collection de bouteilles (ci-dessus) a remporté le premier prix dans la catégorie des natures mortes au Salon international du Centre de renouvellement des arts 2009-2010. Pour Valeri, le succès a été le résultat d'une étude diligente combinée à une approche créative des méthodes classiques.

Devenir artiste

Maintenant basée à San Francisco, où elle dirige l'atelier Sadie Valeri, l'artiste a grandi en dehors de Boston. Elle se souvient avoir dessiné de manière obsessionnelle lorsqu'elle était enfant et avoir entendu la question souvent posée à ses camarades de classe à l'école (parlée, comme le dit Valeri, dans leurs accents épais de la Nouvelle-Angleterre): «Ahh tu vas être un ahh-tist quand tu seras grand? " Avec les encouragements de son professeur d'art au lycée et le soutien de sa famille, Valeri a poursuivi ses études à la Rhode Island School of Design (RISD), où elle s'est spécialisée en illustration.

Valeri a excellé à RISD mais n'était pas sûre de ses perspectives après l'obtention de son diplôme. «Ce qui m'a le plus gêné en tant que jeune artiste sortant d'une école d'art, c'est la question de savoir quoi peindre. Les possibilités sont infinies dans l'ère postmoderne et, franchement, j'ai été submergé par la pensée que mon choix de sujet devait être particulièrement intelligent pour être remarqué. » Pendant les 10 années suivantes, Valeri a travaillé en tant que graphiste et designer Web et n'a créé aucun art à part les travaux réalisés dans des groupes de dessin de vie.

Mais la découverte par Valeri du mouvement réaliste classique contemporain l’a inspirée à dépoussiérer ses peintures et pinceaux. Elle a suivi des ateliers avec plusieurs des plus grands noms du domaine, dont Ted Seth Jacobs, Michael Grimaldi, Juliette Aristides et Tim Stotz et Nicole Michelle Tully du Studio Escalier en France. Elle a également appris les bases de la technique traditionnelle de peinture en couches flamande de Kirstine Reiner. «Après une période intense de prise d'ateliers et de pratique constante de ce que j'apprenais, j'ai ressenti le besoin de créer quelque chose de plus qu'une étude, quelque chose de moi-même», explique Valeri. Travaillant dans sa maison, où l'espace était limité, Valeri a décidé de se concentrer sur les natures mortes.

«J'ai juste arrangé des choses que je trouvais visuellement convaincantes. Je ne me suis pas demandé si quelqu'un d'autre les aimerait. " Depuis ces débuts, elle Série de papier ciré est né.

Objectif: capturer la lumière et la forme

«Dans un cas rare, j'ai inclus un autoportrait dans Pichet de globe d'argent (huile, 16 × 20) », explique Valeri. «Le spectateur peut voir l'ensemble de mon petit atelier et avoir un aperçu de l'expérience du peintre.

L’approche de Valeri en matière de peinture est simple. «Je peins des effets de lumière réalistes soutenus par une analyse structurelle de la forme», dit-elle. La combinaison de la sensibilité d'une impressionniste à la couleur avec la maîtrise de la fonction d'un ingénieur lui permet de «révéler la beauté des objets» qu'elle peint. L'artiste fait son analyse visuelle à travers le dessin - sa partie préférée du processus de peinture - qui lui permet «d'étudier toutes les formes, de rétroconcevoir toutes les formes et d'analyser le comportement de la lumière». Elle ajoute: «J'aime comprendre pourquoi la poignée courbée et gracieuse d'une tasse ou d'un pichet semble suffisamment ferme pour être saisie et ne semble jamais douce ou souple.» Cette observation attentive est la clé du réalisme convaincant de ses tableaux.

Configuration et dessin méticuleux

La mise en place est la première étape importante du processus de peinture de natures mortes de Valeri. "Comme je vais passer un mois ou plus à regarder le sujet, j'aime être sûr que je l'aime avant de commencer", dit-elle. La configuration peut prendre des jours car elle organise et réorganise soigneusement les différents objets en une composition harmonieuse et visuellement agréable. Elle est attirée par les surfaces difficiles et attrayantes pour les yeux, "de l'intérieur opalescent d'un coquillage aux papiers translucides tordus en spirales écrasées."

Une fois satisfaite de sa configuration, Valeri passe quelques jours à travailler sur un dessin de contour détaillé. "J'ai trouvé", dit-elle, "que plus je fais attention au dessin, plus je gagne de temps dans les étapes ultérieures de la peinture." Travaillant sur du Mylar dépoli (un papier calque de haute qualité), Valeri ne se soucie pas de l'ombrage de son dessin, se concentrant plutôt sur la composition, les proportions et la structure.

Elle transfère le dessin terminé sur un panneau de bois apprêté, puis affine les lignes, en réduisant leur largeur avec une gomme à effacer (rétractable) de style stylo. De cette façon, elle élimine ce qu'elle décrit comme la «qualité morte, tracée» des lignes. Enfin, Valeri scelle le dessin sur le panneau avec une couche de vernis damar dilué avec de l'essence minérale inodore. "Cela protège le dessin", dit-elle, "et crée également une surface de peinture idéale: pas trop soif, pas trop lisse."

Grisaille ouverte et fermée

Avec son dessin résolu et son soutien entièrement préparé, Valeri est prête à commencer à peindre. Elle travaille sous la lumière naturelle du nord et commence par deux sous-peintures en grisaille. En utilisant uniquement de l'ombre brûlée, l'artiste pose les valeurs de base de sa composition, laissant à nu les zones blanches du panneau pour les zones claires du tableau; ce processus est appelé «grisaille ouverte». L'étape suivante - la «grisaille fermée» - implique la création d'une chaîne de six ou sept valeurs, du noir au blanc, mélangées d'ombre brûlée, de bleu outremer et d'une petite quantité de blanc écaillé. À l'aide de ces mélanges, Valeri peint un rendu complet de son sujet. "J'apporte souvent cette version monochromatique de la peinture à une finition élevée avec deux couches ou plus, en utilisant de petits pinceaux."

Couleur opaque avec une palette limitée

Après avoir réalisé ses sous-peintures en grisaille, l'artiste se met en couleur. Son objectif à ce stade n'est pas simplement d'embellir la grisaille avec de la couleur, car cela «donnerait simplement l'apparence d'une photographie en noir et blanc teinté». Au lieu de cela, Valeri travaille principalement avec des couleurs opaques jusqu'aux toutes dernières étapes, utilisant la sous-couche comme guide pour l'aider à faire correspondre les valeurs qu'elle a déjà définies. «Les vraies couleurs sont saturées (chrominance élevée) dans les tons moyens et désaturées (chrominance faible) dans les lumières les plus claires et les ombres les plus sombres», dit-elle. "C'est ce qui transforme une peinture monochromatique en couleur, et cette transformation n'est possible qu'avec des couches de couleur opaques recouvrant complètement la sous-peinture grisaille."

Valeri utilise une palette limitée: «juste quelques primaires et quelques secondaires plus blanc éclatant, en pigments transparents et opaques». Avec ces pigments, elle mélange des chaînes de couleurs supplémentaires qui correspondent aux transitions de valeur qu'elle voit sur un objet donné. «Je peins toujours dans de petites tuiles (zones) distinctes, en travaillant des ombres jusqu'aux lumières», dit-elle. "Je travaille une seule petite zone à la fois jusqu'à la finition la plus élevée possible et laisse cette zone sécher pendant quelques jours pendant que je travaille sur d'autres zones de la peinture." Pour les dernières étapes de la peinture, Valeri utilise «une peinture assez transparente, parfois sous forme de glaçure, pour apporter des ajustements subtils aux couleurs définies dans les couches précédentes».

Le temps est de son côté

Le processus de peinture de Valeri est détaillé et prend du temps. Une petite nature morte (9 × 12 ou 11 × 14) nécessite environ un mois de travail, du dessin initial à la peinture terminée. «Lorsque j'enseigne mon processus aux étudiants, ils sont parfois perplexes quant à la raison pour laquelle nous passons par toutes les différentes étapes et étapes; la peinture leur semble directement plus facile », dit-elle. "C'est à la fin du processus, quand il y a du ah dans le studio que les étudiants atteignent des niveaux de réalisme dont ils ne pensaient pas être capables, qu'ils commencent à comprendre à quel point ce processus peut être puissant."

Michael Lacoy est un artiste, écrivain et éditeur vivant à Cambridge, Massachusetts.

APPRENDRE PLUS

  • LIBRE: Démonstration pas à pas de la nature morte de Sadie Valerli.
  • TÉLÉCHARGEMENT VIDÉO: Comment peindre - La méthode Grisaille avec John DeMartin
  • LIBRE: Lisez des articles sur d'autres artistes vedettes de Magazine.

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